L'exposition Getty montre comment le corps nu est devenu un sujet d'art

Dosso Dossi (Giovanni di Niccolò de Lutero). 'Allégorie de la Fortune', vers 1530. Huile sur toile. (Le musée J. Paul Getty)

LOS ANGELES — Les bonnes expositions compliquent les choses sans les embrouiller. Selon cette norme, The Renaissance Nude du Getty Museum est un très beau spectacle, ajoutant des couches de complexité à la compréhension générale de la façon dont le corps nu est devenu un sujet d'art au 15ème siècle. Il se concentre non seulement sur le nu héroïque en Italie, le corps idéalisé inspiré par la redécouverte de l'art ancien, mais aussi sur le nu dans toute l'Europe. Il examine les différentes forces en jeu à l'époque - y compris les changements dans la pratique religieuse et les nouveaux pouvoirs d'observation plus rigoureux - et comment ces forces ont créé un appétit pour la représentation du corps dévêtu. Et il reconnaît l'évidence : ce désir a toujours fait partie du plaisir de la figure nue, peu importe la piété, l'allégorie ou la mythologie du récit de soutien.

L'exposition, organisée par Thomas Kren, se penche sur une période d'environ 120 ans, commençant en 1400, et comprend plus de 100 œuvres, dont beaucoup sont des prêts importants de grandes collections européennes. Il présente des œuvres de Giovanni Bellini, Donatello, Albrecht Durer, Jan Gossaert, Antonio Pollaiuolo et Titian, et comprend des peintures, des sculptures, des dessins (y compris des rendus anatomiques de Leonardo) et des gravures. Il met également un accent particulier sur les artistes français, qui ont produit une sorte d'histoire cachée du nu dans des livres de dévotion illustrés, des images destinées à la contemplation et à la délectation privées, et des images qui ne sont pas toujours intégrées dans la compréhension plus large du nu au cours de cette période. point final.

Deux grandes tendances ont conduit à l'émergence du nu comme sujet. Il y a eu la Renaissance, telle qu'on l'entend communément, un réveil des énergies intellectuelles qui a incité les artistes à observer de plus près le monde, y compris le corps humain. Mais il y avait aussi une impulsion religieuse - vers un christianisme plus personnel, mystique, intensément ressenti, qui prenait souvent une forme visuelle. Le désir de contempler des sujets religieux, de se régaler de leur substance visuelle, a conduit à des représentations plus sensuelles de figures religieuses clés, dont, en France, Bethsabée, que David a vu se baigner. Le marché des livres de prière ou de dévotion, souvent commandés par de riches mécènes, a inspiré les artistes à rechercher de nouvelles représentations et des raffinements souvent racés dans ces miniatures bien tenues. Dans certains cas, ils peuvent avoir répondu directement aux goûts sexuels des aristocrates pour lesquels les livres ont été faits : Le duc de Berry, pour qui une petite peinture de jeunes pénitents religieux masculins se flagellant a été faite, aurait eu un goût pour les hommes de la classe ouvrière, ainsi que pour les très jeunes filles.

Différentes compréhensions de la bienséance ont également influencé le développement de la forme nue. En Italie, au début du XVe siècle, les images de saint Sébastien nu prédominaient, en partie parce qu'il n'était pas approprié de dessiner des femmes nues sur le vif. Un dessin de figures féminines de Pisanello, probablement réalisé entre le milieu des années 1420 et le début des années 1430, peut ou non avoir été tiré d'une observation réelle de modèles féminins, mais si c'était le cas, il s'agissait de l'un des premiers dessins de ce type. Plus curieux est un croquis de Fra Bartolommeo, qui a contourné le problème de dessiner des femmes nues en utilisant une poupée mécanique, ou mannequin, comme modèle pour la Vierge Marie. Elle apparaît dans une pose traditionnelle - berçant le corps du Christ mort - mais a le haut du corps et les bras musclés d'un homme.

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Des forces purement artistiques étaient également à l'origine de la nouvelle imagerie. L'impulsion à la virtuosité, à élaborer et à affiner et à surpasser les travaux antérieurs, pourrait expliquer la Bataille des nus légèrement surréaliste, de Pollaiuolo, une gravure qui a eu une influence dans toute l'Europe. Il montre une bataille brutale entre 10 hommes nus, qui brandissent des épées, des flèches, des haches et des poignards. Le contexte de cette soif de sang n'est pas indiqué, ni évident, mais la motivation de l'artiste pourrait simplement avoir été de montrer son habileté à différentes poses de la figure masculine.

L'observation a peut-être entraîné une partie du développement du nu, mais l'observation a également conduit à l'idéalisation, et pour de nombreux artistes, esquisser le corps nu ne consistait pas à capturer un moment discret de la vie d'une figure vivante, mais à perfectionner la forme du figure au-delà des particularités d'un seul corps. Des artistes comme Durer ont cherché à schématiser le corps, à identifier ses proportions et à déterminer la relation idéale de ses parties entre elles. Des artistes tels que Michel-Ange ont poussé cette idéalisation pour créer ce qui se lit encore aujourd'hui comme des corps surhumains, parfaits au-delà de la raison. À certains égards, cela a bouclé la boucle de la Renaissance, de son argument initial avec la représentation médiévale stéréotypée du corps à une autre formule - le nu surpuissant, soi-disant classique, que l'on voit dans les figures de la chapelle Sixtine (dont l'image est conclut l'émission Getty).

Tout au long du spectacle, on voit le désir et la sexualité opérer de manière étonnamment manifeste. Un chapitre de l'exposition se concentre sur l'utilisation de personnes réelles comme modèles de figures religieuses, y compris une peinture du milieu du XVe siècle de l'artiste français Jean Fouquet représentant la Vierge à la poitrine nue. L'inspiration pour le visage de la Vierge était probablement une beauté renommée, Agnès Sorel, qui était également la maîtresse du roi Charles. Une autre section se penche sur le désir prétendument illicite, y compris l'homosexualité, qui est vu dans une gravure sur bois délicieusement franche d'une scène de bain masculin de Durer, dans laquelle les hommes se regardent avec un intérêt plus que commun, et dans une gravure de Marcantonio Raimondi de Apollon et Admète, un trope du désir homosexuel emprunté à la mythologie grecque. Une discussion sur les représentations du corps souffrant ou mutilé souligne non seulement une exception importante à la tendance à idéaliser les corps parfaits, mais souligne également le degré auquel le sadisme, le masochisme et d'autres variations sexuelles étaient entremêlés avec les récits religieux communs.

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Parmi les images les plus gratifiantes de l'exposition figurent celles qui suggèrent la variété des types de corps considérés comme beaux. Une image de Durer d'une femme en prière, vue de dos, montre un idéal de beauté plus complet et plus charnu, tandis que plusieurs des premiers Saint-Sébastien décrivent la beauté masculine comme androgyne et même féminine. Un dessin puissant de Hans Baldung montre Le Christ extatique, qui a le corps puissant d'une figure classique mais est vu se tordre sur le sol, avec les blessures de la crucifixion clairement visibles d'une part. Pris entre la mort et la résurrection, il glisse une main sous un drapé qui cache ses parties génitales, un geste érotique déroutant mais puissant.

Le dessin de Baldung rappelle au spectateur quelque chose qui devient un puissant leitmotiv de l'exposition : que beaucoup de ces œuvres insistent pour fonctionner de manière très différente, voire contradictoire. Le religieux n'exclut pas l'érotique, le sacré et le profane cohabitent. Ce n'est pas l'esprit moderne, salace et insinuant, qui lit le sexe dans ces images. En effet, cette exposition laisse le sentiment que l'instant présent est puritain et nerveux et qu'il nous reste encore un long chemin à parcourir avant de prendre pleinement conscience de la merveilleuse volupté du passé.

Le nu de la Renaissance Jusqu'au 27 janvier au Getty Museum de Los Angeles. getty.edu .